葫芦丝是一件非常具有民族特色的乐器，由于音色优美、入门简单、容易上手，深受广大群众喜爱。一个学习葫芦丝能够完美地演奏一首乐曲,是每个葫芦丝爱好者努力追求的目标。葫芦丝演奏是复杂的系统工程，除了要学习和掌握常用的基本技巧，还要注意其他方面的素质训练和提高，这样才能演奏出优美动听的旋律来。
一，理解意境与韵味把握
大家在讨论葫芦丝作品时，经常会说 “有味”或“缺乏味道”。这里提到的“味道”就是指该作品的意境和情感。
何维青老师经常讲：葫芦丝是“吹情”的艺术。情感是演奏的灵魂,只有当葫芦丝的音色和情感同样完美时,演奏才可以被称为艺术，才能使人感觉“有味”。葫芦丝的声音将抽象的音乐转化为听得到、看得见的艺术形式,并影响和感染听众,在这个过程中情感起着重要的纽带作用。同样一首作品,有的演奏者能准确地把握情感和意境,使音色与情感有机地结合,产生较强的艺术感染力；有的演奏者则过多地关注技巧,忽视作品情感和内涵的准确表现,无法引起听众的共鸣；还有的演奏者虽然很“投入”,但由于偏离了作品的主题,不符合乐曲的内容和情绪,也达不到感染听众的艺术效果。由此可见情感的表达在葫芦丝的演奏中多么重要。
葫芦丝音色的力度强弱变化，是表现“意境”和“韵味”的重要手段。优秀的演奏者之所以有很大的感染力，原因之一就是他们能够掌握很宽的力度范围，从最细微的弱音到最强音都能在演奏中运用自如，因此大大丰富了表现力。掌握力度变化应加强发音均匀和渐强渐弱的技巧练习，并严格遵守乐曲中拍子的特点。在乐曲中往往不是一种速度和力度贯穿始终，而是有着丰富的力度和速度变化。有的以力度和速度突变的方法来体现鲜明的对比；有的运用力度和速度的层层变化来深入刻画音乐形象。这些都需要演奏者细心琢磨，用心体会，并在演奏中表现出来。
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葫芦丝演奏是情感体验与肢体表现相融合的表演艺术，演奏时的肢体动作揭示着作品的“音势”和“情势”。因此，运用恰当的肢体语言来表现音乐的意境也很重要。表演动作不仅要自然大方，与乐曲的意境相协调，还要注意美感效果。具体要做到表情美：面部表情随着乐曲的情绪变化而变化，欢快时的愉悦，悲痛时的哀伤，遐想时的沉思，激情时的激动等。动作美：主要体现在肢体上，根据乐曲的内容适当的摆动头部、上身，扇动两臂等都会给人以生动的活力感。节奏美：主要表现在气息的运用和整体动作上，气息的调控必然引起肢体的变化，而肢体变化又会表述乐曲的节奏感。音乐本身离不开律动，心灵的律动是隐现的，而肢体的律动是显现的，身心的互动共鸣会唤起更深刻的音乐体验。肢体语言要表现恰当，古希腊哲学家柏拉图提出“美就是恰当”。“美”在于恰当，而“丑”就在于不恰当。认识这一审美规律，不仅可以提高审美能力，也使我们在具体运用肢体语言时具有更恰当地把握。
另外，学习一首曲子之前要尽量了解曲作者创作的意图和背景，仔细阅读“乐曲说明”或“演奏说明”；节奏、速度、力度等音乐表现符号是重要的意境元素，要认真识别和理解体会，在演奏中恰当地表现出来。
二，音乐伴奏与实际能力
伴奏是葫芦丝音乐作品中不可分割的一部分，作曲家从构思乐曲开始到作品的完成，始终是把独奏和伴奏作为创作整体来塑造完美艺术形象的。随着葫芦丝音乐创作水平的提高，作曲家越来越重视伴奏的创作，各种形式新颖、技巧复杂、生动优美的伴奏层出不穷。这些伴奏既有相对独立的音乐表现，又与独奏紧密相连，大大丰富和提高了葫芦丝演奏艺术的表现力，同时对葫芦丝的教学与创作也产生了积极影响。葫芦丝的音量较小、音域较窄，实际演奏中，伴奏可以起到情绪渲染和气氛烘托的作用。另外，伴奏对演奏者的音准、节奏、速度以及调式调性等，还可以起到重要的矫正和确定作用。学习一首曲子只会清吹而不会合伴奏，只能说是学会了一半；能够熟练的配合伴奏演奏才是实际的演奏能力，才算是真正学会了这首曲子。长期无伴奏的练习容易形成演奏的随意性，断断续续，支离破碎，无法体验到作品的完整美。只有经常练习与伴奏配合吹奏，才能逐渐形成对音乐作品完整演绎的审美习惯，才能完整的把一首作品演奏好。因此，一定要重视跟伴奏演奏能力的培养，把它作为一项重要的基本功进行刻苦练习。
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在跟伴奏演奏中掌握好节奏很重要。要注意强调节拍重音，使强拍与强拍之间保持稳定的时值。同时注意气息的合理运用，让时值相等的各个音的吹奏长度保持一致，手部活动也形成随着节奏而活动的规律，注意两手动作的紧密配合，保持节奏稳定！要努力培养内心节奏感，有些人的内心节奏感是与生俱来的，但是大多数人却是依靠后天的刻苦练习培养出来的。内心节奏感实际上就是内心对各种音符时值的敏感度，说白一点，就是每个音要演奏多长，心里应该清楚。初学者一边演奏，一边在心理数节拍，认清各种音符的时值，以获得对简单节拍的感性认识。经过长期的练习和演奏实践，就会形成正确的内心节奏感。在演奏中有些朋友喜欢用脚打拍子或数拍子，这种方法在练习时暂时用一下可以，如果形成习惯并应用到表演中去则不可取。数拍子所体现的只是一种机械的规律动作，而不是具有轻重缓急、富于表情的音乐律动。数拍子将使演奏者在演奏过程中感觉不到音乐的生动节奏，并有损于内在节奏感的培养。
为了跟好伴奏，合伴奏前要认真练习乐曲，一定要做到能够背谱演奏，目的是合伴奏时能够集中精力，投入到伴奏所营造的氛围中去。这时的葫芦丝就成了代替嗓音歌唱的工具，不至于因为看曲谱而弄得手忙脚乱。反复练习、重复记忆、烂熟于心是跟好伴奏的“笨”办法，也是行之有效的方法。通过反复练习弄清什么地方开始进入，什么地方是间奏，搞清楚整个乐曲的结构布局，演奏时就能和伴奏融为一体，演绎出完美的艺术作品。
三，苛求造诣与艺术实践
高手们吹奏葫芦丝使人听后有一种心情的愉悦或感动，要想达到这样目的，就要在音准、节奏、发音、姿态等各个方面，对自己进行精益求精的苛求。要想成为一名葫芦丝演奏高手，做到技术精湛是首要条件。一种技巧从学会到实际运用，两者之间是有一段距离的；而从实际运用到运用精湛，则有着更远的一段路程。娴熟精湛的演奏是长期刻苦学习实践的结果，如果对自己的演奏没有那种类似于“洁癖”的苛求，那么即使练的时间再长也不能达到精湛的程度。除了技术精湛以外，还有一个音乐上是否精美的问题，包括布局是否精彩，分寸是否精确，配合是否精密，动作是否精巧等等。总之，演奏要给人以无可挑剔的精美感，才能称得上是真正的艺术。
学习葫芦丝演奏一方面是自娱自乐，而更多的时候是演奏给别人听，是一种大众娱乐手段。因此，注重艺术实践是学好葫芦丝演奏的重要途径。通过艺术实践不但能在技术层面提高我们的演奏能力，更重要是锻炼面对观众的心理素质，完善舞台形象塑造。基础练习达到一定程度时，就要积极参加艺术实践，参加各类演出、比赛和交流，从中获得很好的锻炼，丰富自己的演奏经验。一场成功的演出、比赛、交流，会使我们有一种成就感，越来越自信，学习兴趣就会越来越浓。不能整天把自己关在屋子里自娱自乐，时间长了会感到乏味和缺少情趣，进而影响继续学习的兴趣。人是有表现欲的，把这种表现欲掌控好、利用好、发挥好就会成为我们学好葫芦丝演奏的不竭动力。
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艺术实践、舞台演出学会控制自己的情绪很重要，心态是否平和，神情是否安静是演奏成功的关键。人的思维只有在心神平静的状态下，才能发挥其最大的效能。演奏者在舞台上浑身一团火气，思维毫无条理，好比一匹惊马，完全不由自主，肯定不会有好的演出效果。要经过长期的艺术实践，学会用思维控制心态的能力。在舞台上能很快地进入到音乐意境中去，使自己的思维按照音乐表现要求有条不紊地活动，在控制两手动作的同时，也控制着自己的心态保持平和，以及恰到好处的紧张感。这种紧张感只会使演奏显得更有激情，更具活力，决不会因失控而影响演奏的效果。演奏家与演奏者的区别是：演奏家能以思维来控制心神的平静，演奏者则会因为心神的不平静而影响演奏效果。
常言道：“台上一分钟，台下十年功”。技艺高了，自然就可以使自己变的信心十足，胆气大增。上台之前，乐谱一定要背熟，技术上不能有负担，从而消除因能力问题而引起的心虚。要有自信与强烈的表现欲望，不能患得患失，越怕“错”就越容易出“错”，越错就越慌。凡事有一弊就有一利，过度的不加控制的紧张会影响正常的演奏。而通过不断的锻炼，也完全可以将紧张情绪转化成一种精神上的集中和演奏上的激情，坏事就变成好事了。
四，自我修炼与规范化学习
练习葫芦丝既要讲究科学方法，又要勤奋刻苦，持之以恒。首先要强调掌握正确的演奏方法，有些技法是否正确，对演奏水平的提高有着极其关键的影响。任何的演奏动作都是在神经系统支配下实现的，也就是“条件反射”的结果。每一个熟练的演奏动作都是通过反复的练习、使相应的条件反射得到巩固或强化。对于已经形成的熟练动作，叫做“定型”动作，在正确方法的基础上进行练习，将形成正确的定型动作。反之，将形成错误的定型动作。若毛病已成定型，克服毛病要比掌握新的技法还要困难得多。因此，练习时一定要重视掌握正确的演奏方法。
其次，不论是练习乐曲或练习曲，要尽量避免吹错，否则对形成正确的定型会有妨碍。开始练习时，如在某处反复出错，就容易形成错误定型，正式演奏时也就往往会在这个地方抛锚。基础训练好比穿针引线，宁可动作慢点，也要准确，只有慢练才会掌握正确的方法，才会掌握的更准确，熟练后再恢复原速度。在基本功练习中，要注重技巧为内容服务，练习时一定要从作品的内容出发，聚精会神的注意艺术表现。应该避免那种漫不经心、一遍遍过的方式，这样既浪费时间又达不到实际效果。
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古人讲：“操千曲而后晓声，观千剑而后识器”。掌握了正确的方法，并不等于有了功底，方法只是入门，坚持天天练习才能工夫过硬，何况有些技巧非长期坚持刻苦练习是不能达到熟练程度的；只有通过千万次的反复练习，才能逐步得到改进和提高，才能得心应手、轻松娴熟地应用到葫芦丝的实际演奏中去。
目前喜欢葫芦丝的人越来越多，专业的学院教学远远不能满足人们的需求，“能者为师”的民间传授，是当前葫芦丝传播的主要形式。然而，葫芦丝的规范化学习对演奏水平的提高非常重要，自学葫芦丝的人很多，但进步慢，效果差，究其原因就是规范化学习的问题没有解决好。著名葫芦丝演奏家、作曲家、教育家王厚臣老师讲，学好葫芦丝要有三个基本条件：一把好乐器，一本好教材，一个好老师，缺一不可。好乐器就是要求选购的葫芦丝音调要准，音色要美，要有一定的力度控制厚度，容易吹奏。如果长期使用劣质乐器，在大脑建立了错误的音色、音准印象，那就很难吹出好听的音乐。好教材就是要有系统、规范的学习内容，有科学的教学计划安排。如果没有好教材，今天学点这，明天学点那，不但进步缓慢，而且容易误入歧途，走弯路。好老师就是要自身素质全面，功底过硬，有丰富艺术实践经验和教学经验，有一定的艺术成果。学习方法不当，用错误的习惯和方法训练葫芦丝，训练越多偏离正确的道路越远。不良习惯养成后终身难改，给继续提高造成障碍，甚至影响到学习兴趣，半途而废，最终放弃葫芦丝的学习。由此可以看出，葫芦丝规范化学习非常重要。
五，综合素质与艺术表现
“乐由心内生,功夫在其外”，演奏水平是演奏者综合素质的表现。领悟乐曲的精髓需要深厚的文化底蕴和对音乐的感悟灵敏度作保证，需要时间和经验的积累。出色的演奏家之所以能够深刻领悟乐曲的内涵，准确把握作品的神韵，就在于他们不是简单地停留在旋律上的处理，而是从文化传统、地域特征、审美意识中寻觅乐曲的精髓，进行感性的体验与理性的思考，从而达到“出神入化”的境界。
对音乐的感悟能力既有先天本能的因素，也有后天学习与训练的结果。要想达到较高的艺术境界，必须以扎实的文化知识、丰富的生活体验、长期的身心修养做基础。每个演奏者只要抱着认真学习的态度，随着年龄的增长、文化的提高、视野的开阔、知识面的拓宽和理解力的加深，对音乐的理解能力必定会日渐丰富，从而达到音乐灵魂的逐步升华。当前葫芦丝的音乐创作呈现出多样性的特点，不同地域、不同民族风格特点的曲目纷纷涌现，葫芦丝艺术与过去相比不可同日而语。演奏者必须根据作品情况，熟悉和了解相关民族的文化传统、艺术语言特点、情感表达习惯等，把葫芦丝表现手法与民族风格巧妙结合，才能做到吹什么像什么，“一套拳脚包打天下”是不能取得完美艺术效果的。
葫芦丝演奏是一门综合艺术，要有重塑自我的精神，努力提升素质；除了加强乐理、乐感知识的学习外，还要努力培养自己开朗的性格、高雅的气质、灵动的思维状态。葫芦丝看似简单，却又极其深奥。通过长期努力和实践，形成自己独特的演奏风格，是一种很高的目标要求。艺无止境，只有虚心学习、努力探索、善于总结才能到达较高的艺术水平，才能成为深受大众喜爱的演奏家。
文：刘希广
作者系中国民族管弦乐学会会员、中国葫芦丝巴乌专业委员会理事、中国民族管弦乐学会葫芦丝、巴乌考级评委。
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